DEBUSSY: PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO
En esta audición destaca un estilo muy colorista. cada instrumento tiene su papel y utiliza los de viento
miércoles, 28 de mayo de 2014
martes, 29 de abril de 2014
RESUMEN AUTORES Y CONCEPTOS DE ESPAÑA:
ARRIAGA:
Su nombre completo era Juan Crisóstomo Jacobo Antonio de Arriaga y Balzola y nació en Bilbao, en la casa familiar del n.° 51 de la calle Somera. Fue bautizado ese mismo día en la parroquia de los Santos Juanes. Era el octavo hijo, aunque tres habían muerto ya cuando él nació. Allí, su padre, Juan Simón de Arriaga, organista en Berriatúa, le enseñó los fundamentos de la música. Su talento le lleva a convertirse en alumno de Faustino Sanz, renombrado violinista. A los 11 años ya compone y representa obras en las sociedades musicales de Bilbao.A los 15 años su padre decide que continúe su formación en el Conservatorio de París, donde estudia violín con Pierre Baillot, armonía con François-Joseph Fétis y contrapunto con Luigi Cherubini. En dicho conservatorio fue nombrado profesor auxiliar de Fetís en 1824. Murió en París con 19 años, a consecuencia de una enfermedad pulmonar.
AGUADO:
Nacido en Fuenlabrada (Madrid) el 8 de abril de 1784 y muerto el 29 de diciembre de 1849, es uno de los guitarristas españoles más célebres del siglo XIX. Inició sus estudios musicales con Fray Miguel García, conocido como Padre Basilio, y más tarde con Manuel García, el famoso tenor español. Influenciado por el italiano Federico Moretti, y junto con Fernando Sor, adoptó la notación convencional para guitarra, prescindiendo de la notación por tablatura, imperante en España en esa época.La invasión de Napoleón, y lo que esto conllevó, no hizo sino ralentizar su aprendizaje. Después de un periodo de retiro que dedicó al estudio y perfeccionamiento de su técnica, se marchó a París en 1825, y atrajo la atención de músicos relevantes de la época (Rossini, Paganini, Vincenzo Bellini, Fernando Sor, Fossa, …) por su virtuosismo, y alcanzó un gran éxito con sus recitales. Con Sor hizo amistad, colaboró estrechamente e incluso vivió durante un tiempo. De hecho éste le dedicó un dueto (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos, una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado"). En 1838 regresó a Madrid, donde dedicó su vida a la enseñanza hasta que murió el 29 de diciembre de 1849.
ARRIAGA:
Su nombre completo era Juan Crisóstomo Jacobo Antonio de Arriaga y Balzola y nació en Bilbao, en la casa familiar del n.° 51 de la calle Somera. Fue bautizado ese mismo día en la parroquia de los Santos Juanes. Era el octavo hijo, aunque tres habían muerto ya cuando él nació. Allí, su padre, Juan Simón de Arriaga, organista en Berriatúa, le enseñó los fundamentos de la música. Su talento le lleva a convertirse en alumno de Faustino Sanz, renombrado violinista. A los 11 años ya compone y representa obras en las sociedades musicales de Bilbao.A los 15 años su padre decide que continúe su formación en el Conservatorio de París, donde estudia violín con Pierre Baillot, armonía con François-Joseph Fétis y contrapunto con Luigi Cherubini. En dicho conservatorio fue nombrado profesor auxiliar de Fetís en 1824. Murió en París con 19 años, a consecuencia de una enfermedad pulmonar.
ARRIETA:
(Pascual Arrieta; Puente la Reina, 1823-Madrid, 1894) Compositor español. Estudió en Madrid y en Milán. De regreso a España, fue profesor de canto de la reina Isabel II y director de música de palacio. Escribió numerosas zarzuelas, entre las que destacan La ínsula Barataria (1864), La sota de espadas (1871) y, sobre todo, Marina (1871), que, convertida en ópera, fue estrenada en el teatro Real de Madrid en 1887.
CHAPÍ:
(Villena, 1851 - Madrid, 1909) Compositor español, particularmente recordado por sus populares zarzuelas. A los cinco años empezó el estudio del solfeo. A los dieciséis marchó a Madrid, donde ingresó en el Conservatorio; allí estudió el piano con Fernández Grajal y la armonía con Galiana. En 1872 era director de una banda militar y compuso Fantasía morisca, obra que se hizo famosa.
BRETÓN:
(Tomás Bretón Hernández; Salamanca, 1850-Madrid, 1923) Compositor y director de orquesta español. Hijo de una humilde familia y huérfano de padre a los dos años, pudo, a costa de grandes sacrificios, empezar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Eloy de su ciudad natal. Discípulo de Emilio Arrieta en el Conservatorio de Madrid, durante su juventud se ganó la vida tocando el violín en diversas orquestas y cafés.
TÁRREGA.
Francisco de Asís Tárrega Eixea (Villarreal, Castellón, 21 de noviembre de 1852 – Barcelona, 15 de diciembre de1909) fue un compositor y guitarrista español.Un accidente marcó su infancia cuando, al parecer, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico.Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, era conocido como el Sarasate de la guitarra. En 1880 dio recitales en París y Londres.Durante el invierno de 1880, sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo.
SARASATE .
(Martín Melitón Sarasate; Pamplona, 1844 - Biarritz, 1908) Compositor y violinista español. Dio su primer recital de violín a los 7 años y, posteriormente, estudió con Rodríguez Sáez en Madrid, donde fue presentado a la familia real. Bajo la protección de Isabel II en 1856, inició sus estudios en París con Alard y al año siguiente ganó el Primer Premio de Violín. Emprendió su carrera internacional en 1859, consiguió grandes éxitos y fue objeto de dedicatorias por parte de grandes músicos de la época, como Bruch (Concierto nº 2 y Fantasía escocesa), Saint-Saëns (Introducción y rondó caprichosoy Primer y Tercer Concierto), y Dvorák (Mazurek).
En su repertorio, además de las obras escritas para él por grandes compositores, incluía conciertos de Beethoven, Mendelssohnn y Mozart, así como sonatas, en una época en que los violinistas preferían las piezas virtuosas de salón.
BARBIERI:
Madrid, 1823-id., 1894) Compositor y musicólogo español. La trascendencia de Francisco Asenjo Barbieri en la música española es triple: fue un excelente compositor, un director de orquesta capaz, a quien se debe la introducción en España de muchas obras sinfónicas del continente europeo, y un incansable musicólogo, responsable de la recuperación y edición del patrimonio antiguo de su patria.
Atraído por la ópera desde su más tierna infancia, cuando asistía a las representaciones de óperas italianas que se ofrecían en el Teatro de la Cruz, en el que trabajaba su abuelo, Barbieri estudió clarinete, canto y composición en el Conservatorio de Madrid. Al finalizar sus estudios, realizó diversas tareas, desde copista hasta maestro de coro, al tiempo que intentaba dar a conocer sus primeras composiciones, entre ellas la ópera italianaIl buontempone (1847).
Las dificultades para estrenarla hizo que centrara su interés en la zarzuela, género a cuya recuperación contribuyó después de más de un siglo de olvido. En 1850 debutó en este campo con Gloria y peluca, a la que siguieron Jugar con fuego (1851), Los diamantes de la corona (1854), Pan y toros (1864) y El barberillo de Lavapiés (1874), su obra maestra.
BIZET: CARMEN (HABANERA)
Biografía: París, 1838 - Bougival, Francia, 1875) Compositor francés. Muy exigente consigo mismo, su producción es escasa y cuenta con muchas obras inacabadas y retiradas por el mismo compositor y sólo recuperadas póstumamente, como es el caso de la Sinfonía en do mayor (1855). Nacido en el seno de una familia de músicos, ingresó en el Conservatorio de París con tan sólo nueve años. La consecución en 1857 del prestigioso Gran Premio de Roma de composición le permitió proseguir su formación en Italia durante tres años. Su ópera Don Procopio data de aquella época. A su regreso a Francia, compuso las óperas Los pescadores de perlas(1863) y La hermosa muchacha de Perth (1867), ambas acogidas con frialdad por el público. No corrieron mejor suerte las dos obras que más han contribuido a la fama del compositor: la música de escena para el drama La arlesiana (1872), de Alphonse Daudet, y sobre todo la considerada obra maestra del teatro lírico galo, Carmen(1875), cuyo controvertido estreno se dice que precipitó la muerte del compositor.
https://www.youtube.com/watch?v=whFUUFo1eXQ
MUSSORGSKI: UNA NOCHE EN EL MONTE PELADO
Biografía: Modest Músorgski nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano), en la aldea rusa de Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza. Modest Músorgski, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.Músorgski cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre. El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Músorgski pocos días antes del deceso.
Contexto histórico y características de la audición: El público de ópera generalmente conservador frena la evolución del género hacia formas renovadoras.
Con la consolidación de las nacionalidades la ópera cobra un valor político que en autores como Wagner,Verdi,Mussorgsky tendrá verdadero carácter documental.
En las características técnicas apreciamos dos partes diferenciadas: la orquesta y el melodismo,cómo utiliza los timbres.
Melodía hecha con flauta,crear ambientes con el arpa,melodía antigua,música tradicional.
https://www.youtube.com/watch?v=rOWTq0knkQE
Biografía: Modest Músorgski nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano), en la aldea rusa de Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza. Modest Músorgski, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.Músorgski cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre. El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Músorgski pocos días antes del deceso.
Contexto histórico y características de la audición: El público de ópera generalmente conservador frena la evolución del género hacia formas renovadoras.
Con la consolidación de las nacionalidades la ópera cobra un valor político que en autores como Wagner,Verdi,Mussorgsky tendrá verdadero carácter documental.
En las características técnicas apreciamos dos partes diferenciadas: la orquesta y el melodismo,cómo utiliza los timbres.
Melodía hecha con flauta,crear ambientes con el arpa,melodía antigua,música tradicional.
https://www.youtube.com/watch?v=rOWTq0knkQE
BRAHMS: SINFONÍA EN MI MENOR (Allegro, 1er movimiento)
Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de 1897) fue un pianista y compositor alemán del Romanticismo, aunque se le puede considerar ya un postromántico. A Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos, manteniéndose fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador influenciado por Mozart, Haydn y en especial Beethoven. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la “Guerra de los románticos”. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los miembros de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana, y por Richard Wagner.Nació en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido no fue bien recibida. Debido a esto, en 1862 se autoexilió en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas diversos.Las expresiones Las tres bes o La santa trinidad se refieren a Bach, Beethoven y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música.Algunos opinan, sin embargo, que von Bülow incluyó a Brahms en dicha "trinidad" por despecho y para perjudicar a Wagner, con quien estaba enemistado desde que su esposa le abandonó para casarse con el otro compositor.
El nacionalismo es una vía de evolución del romanticismo, conectado a luchas por la independencia o a reacciones contra el dominio cultural extranjero.
La utilización del folklore de un país como inspiración musical había sido normal en el romanticismo : chopin,Liszt,Brahms…
https://www.youtube.com/watch?v=1uS6snlEG1o
Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de 1897) fue un pianista y compositor alemán del Romanticismo, aunque se le puede considerar ya un postromántico. A Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos, manteniéndose fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador influenciado por Mozart, Haydn y en especial Beethoven. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la “Guerra de los románticos”. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los miembros de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana, y por Richard Wagner.Nació en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido no fue bien recibida. Debido a esto, en 1862 se autoexilió en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas diversos.Las expresiones Las tres bes o La santa trinidad se refieren a Bach, Beethoven y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música.Algunos opinan, sin embargo, que von Bülow incluyó a Brahms en dicha "trinidad" por despecho y para perjudicar a Wagner, con quien estaba enemistado desde que su esposa le abandonó para casarse con el otro compositor.
El nacionalismo es una vía de evolución del romanticismo, conectado a luchas por la independencia o a reacciones contra el dominio cultural extranjero.
La utilización del folklore de un país como inspiración musical había sido normal en el romanticismo : chopin,Liszt,Brahms…
La escuela nacionalista mas importante es la rusa.
https://www.youtube.com/watch?v=1uS6snlEG1o
TCHAIKOVSKY: EL CASCANUECES ("Marcha", "Vals de las flores")
Biografía : Piotr Ilich Chaikovski fue un compositor ruso de la época del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como por ejemplo los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano o el Concierto para violín.
Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresión. Como factores que quizá contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara.
En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.A pesar de ser popular en las audiencias de todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor de importancia es hoy en día segura, y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento.
El cascanueces es un cuento de hadas-ballet estructurado en dos actos, que fue encargado por el director de los Teatros Imperiales Ivan Vsevolozhsky en 1891 y se estrenó en 1892. La música fue compuesta por Piotr Ilich Chaikovski entre 1891 y 1892. Se trata de su op. 71 y es el tercero de sus ballets. Antes de su estreno Chaikovski seleccionó ocho de los números del ballet formando la Suite El cascanueces op. 71a, concebida para tocar en concierto. La suite se tocó bajo la dirección del compositor el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sección de la Sociedad Musical en San Petersburgo.La suite fue popular desde entonces, aunque el ballet completo no logró su gran popularidad hasta los años 1960.
El ballet ha sido representado en muchos lugares diferentes desde entonces y se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets en los países occidentales.
Características de la audición:
El ritmo es ternario (Vals), siempre con las mismas melodías.
Ballet. Música popular para representar en los bailes de salón. Incorpora melodías rusas e internacionales (el vals). La orquesta se forma principalmente de: viento madera,viento metal, poca percusión triángulo.
https://www.youtube.com/watch?v=MAIJUmsGnI4
Biografía : Piotr Ilich Chaikovski fue un compositor ruso de la época del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como por ejemplo los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano o el Concierto para violín.
Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresión. Como factores que quizá contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara.
En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.A pesar de ser popular en las audiencias de todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor de importancia es hoy en día segura, y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento.
El cascanueces es un cuento de hadas-ballet estructurado en dos actos, que fue encargado por el director de los Teatros Imperiales Ivan Vsevolozhsky en 1891 y se estrenó en 1892. La música fue compuesta por Piotr Ilich Chaikovski entre 1891 y 1892. Se trata de su op. 71 y es el tercero de sus ballets. Antes de su estreno Chaikovski seleccionó ocho de los números del ballet formando la Suite El cascanueces op. 71a, concebida para tocar en concierto. La suite se tocó bajo la dirección del compositor el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sección de la Sociedad Musical en San Petersburgo.La suite fue popular desde entonces, aunque el ballet completo no logró su gran popularidad hasta los años 1960.
El ballet ha sido representado en muchos lugares diferentes desde entonces y se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets en los países occidentales.
Características de la audición:
El ritmo es ternario (Vals), siempre con las mismas melodías.
Ballet. Música popular para representar en los bailes de salón. Incorpora melodías rusas e internacionales (el vals). La orquesta se forma principalmente de: viento madera,viento metal, poca percusión triángulo.
https://www.youtube.com/watch?v=MAIJUmsGnI4
BERLIOZ: SINFONÍA FANTÁSTICA (4º movimiento: marcha hacia la ejecución)
Louis Hector Berlioz (La Côte-Saint-André, Francia, 11 de diciembre de 1803 – París, 8 de marzo de 1869) fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica (estrenada en 1830). Berlioz fue un gran orquestador y la influencia de su música fue extraordinaria.
Asistió al Conservatorio de París, donde estudió composición y ópera, quedando muy impresionado por la obra y las innovaciones de su maestro Jean-François Lesueur.
https://www.youtube.com/watch?v=NM_4Fh7FoMY
Louis Hector Berlioz (La Côte-Saint-André, Francia, 11 de diciembre de 1803 – París, 8 de marzo de 1869) fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica (estrenada en 1830). Berlioz fue un gran orquestador y la influencia de su música fue extraordinaria.
Asistió al Conservatorio de París, donde estudió composición y ópera, quedando muy impresionado por la obra y las innovaciones de su maestro Jean-François Lesueur.
La Sinfonía fantástica es una sinfonía compuesta por Héctor Berlioz en 1830. El nombre bajo el que se la conoce habitualmente es, en realidad, el subtítulo; el título que Berlioz puso a su obra es Episodio de la vida de un artista. El autor se inspiró en la actriz shakespeariana Henrietta Constance Smithson, a la que amaba locamente, para componer esta obra, que es un bello y claro ejemplo de la música programática. La Sinfonía fantástica consta de cinco movimientos: Sueños y pasiones, un baile, escena en el campo, la marcha del cadalso y sueño de una noche de aquelarre.
El cuarto movimiento es la Marcha al Cadalso: Sueña que ha asesinado a su amada y que ha sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecución. La procesión se mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnífica, durante la cual el torpe sonido de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el último pensamiento de amor cortado de golpe por la muerte.
CHOPIN: NOCTURNO EN MI BEMOL MAYOR Op. 9 nº 2
Biografía de Fryderyk Franciszek Chopin: Gran Ducado de Varsovia, 1 de marzo o 22 de febrero de 1810 — París, 17 de octubre de 1849. Fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente, por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores, con las de Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Liszt.Conviene anotar la frecuente inspiración en el folklore de su país.
Características de la audición:
Es una pieza breve que trasmite una sensación de intimidad.
El ritmo es ternario, un Vals muy lento.
Se percibe un cambio de carácter en la segunda parte que es más alegre, más sencilla y con más intensidad.
El pulso es menos estricto, más bailable y no se acelera.
Cambios de tiempo
Es como un cuento breve ,una forma libre,expresiva
Termina con una coda( improvisatorio) termina en pianísimo.
https://www.youtube.com/watch?v=-MSnD6eWTgM
Biografía de Fryderyk Franciszek Chopin: Gran Ducado de Varsovia, 1 de marzo o 22 de febrero de 1810 — París, 17 de octubre de 1849. Fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente, por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores, con las de Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Liszt.Conviene anotar la frecuente inspiración en el folklore de su país.
Características de la audición:
Es una pieza breve que trasmite una sensación de intimidad.
El ritmo es ternario, un Vals muy lento.
Se percibe un cambio de carácter en la segunda parte que es más alegre, más sencilla y con más intensidad.
El pulso es menos estricto, más bailable y no se acelera.
Cambios de tiempo
Es como un cuento breve ,una forma libre,expresiva
Termina con una coda( improvisatorio) termina en pianísimo.
https://www.youtube.com/watch?v=-MSnD6eWTgM
lunes, 28 de abril de 2014
SCHUBERT: LIED. Margarita a la rueca.
Pertenece a la primera generación del romanticismo alemán.
Schubert(1797-1828) es en cambio,un artista netamente romántico :vida brevísima ,existencia burguesa y un tanto fracasada,no logró ningún cargo aristocrático.Su público fue la burguesía intelectual vienesa.Formado en la capilla imperial de viena como niño de coro,Schubert tiene el don,casi milagroso,de la melodía.Su obra más ambiciosa ,las sinfonías ,las sonatas para piano ,su música de cámara ,son abordadas con la gran forma clásica. A pesar de su hermosura ,no son el medio apropiado dpara que el arte de Schubert se manifestara plenamente,Schubert alcanza el milagro y la genialidad en las formas breves,sobre todo en el lied,canción con acompañamiento de piano.
El piano se convierte en el instrumento romántico por excelencia,donde el artista exterioriza los dictados de su sensibilidad.En la primera generación de músicos alemanes figuran:Weber y Schubert y algo más jóvenes que éstos: Mendelssohn,Schumann y Wagner.
Margarita en la rueca (en alemán, Gretchen am Spinnrade) fue compuesto por Franz Schubert en 1814, cuando tan solo tenía 17 años, y fue uno de sus primeros éxitos musicales. Esta obra es un lied y está escrita para soprano y piano, aunque también se ha adaptado para mezzosoprano.El texto es una poesía de la obra Fausto de Goethe. El texto y el argumento de esta obra han sido utilizados para numerosas obras literarias y musicales.
https://www.youtube.com/watch?v=I45EsX2r27g
Pertenece a la primera generación del romanticismo alemán.
Schubert(1797-1828) es en cambio,un artista netamente romántico :vida brevísima ,existencia burguesa y un tanto fracasada,no logró ningún cargo aristocrático.Su público fue la burguesía intelectual vienesa.Formado en la capilla imperial de viena como niño de coro,Schubert tiene el don,casi milagroso,de la melodía.Su obra más ambiciosa ,las sinfonías ,las sonatas para piano ,su música de cámara ,son abordadas con la gran forma clásica. A pesar de su hermosura ,no son el medio apropiado dpara que el arte de Schubert se manifestara plenamente,Schubert alcanza el milagro y la genialidad en las formas breves,sobre todo en el lied,canción con acompañamiento de piano.
El piano se convierte en el instrumento romántico por excelencia,donde el artista exterioriza los dictados de su sensibilidad.En la primera generación de músicos alemanes figuran:Weber y Schubert y algo más jóvenes que éstos: Mendelssohn,Schumann y Wagner.
Margarita en la rueca (en alemán, Gretchen am Spinnrade) fue compuesto por Franz Schubert en 1814, cuando tan solo tenía 17 años, y fue uno de sus primeros éxitos musicales. Esta obra es un lied y está escrita para soprano y piano, aunque también se ha adaptado para mezzosoprano.El texto es una poesía de la obra Fausto de Goethe. El texto y el argumento de esta obra han sido utilizados para numerosas obras literarias y musicales.
https://www.youtube.com/watch?v=I45EsX2r27g
WAGNER: PRELUDIO DE TRISTÁN E ISOLDA
Es una ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en gran medida en el romance de Godofredo de Estrasburgo. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow. Wagner no la llamaba ópera sino Eine Handlung, que se traduce como «drama musical»; este término lo usó el dramaturgo español Calderón para sus dramas. Forma parte del Canon de Bayreuth.La composición de Wagner de Tristán e Isolda fue inspirado por su aventura con Mathilde Wesendonck y la filosofía de Arthur Schopenhauer. Reconocida ampliamente como una de las cumbres de su repertorio operístico, Tristán destaca por el uso avanzado de Wagner del cromatismo, la tonalidad, el color orquestal y suspensión armónica. El primer acorde de la ópera, llamado el «acorde de Tristán», se considera de gran importancia en el desarrollo de la armonía tonal tradicional.La ópera fue muy influyente entre los compositores clásicos occidentales y proporcionó inspiración a compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss, Karol Szymanowski, Alban Berg y Arnold Schoenberg. Muchos ven Tristán como el comienzo del fin de la armonía convencional y la tonalidad y consideran que establece la base para la dirección de la música clásica en el siglo XX.
Características de la audición: Reacción contra el estilo italiano. Uso de orquesta sinfónica completa.(importancia del viento), intervalo la fa ,melodía compleja (sentido argumentable). Melodía continua que está durante toda la obra. Preludio:función de presentar musicalmente a los personajes. Wagner lo llamaba dramas musicales y no consiente que lo llamen óperas,son obras de teatro cantadas.
-mitología, duración 4 horas 15´ (por lo que resulta difícil de escuchar), el texto es complejo lo escribe el mísmo, no hay repetición de frases,tiene que haber poco movimiento.
https://www.youtube.com/watch?v=J-qoaioG2UA
Es una ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en gran medida en el romance de Godofredo de Estrasburgo. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow. Wagner no la llamaba ópera sino Eine Handlung, que se traduce como «drama musical»; este término lo usó el dramaturgo español Calderón para sus dramas. Forma parte del Canon de Bayreuth.La composición de Wagner de Tristán e Isolda fue inspirado por su aventura con Mathilde Wesendonck y la filosofía de Arthur Schopenhauer. Reconocida ampliamente como una de las cumbres de su repertorio operístico, Tristán destaca por el uso avanzado de Wagner del cromatismo, la tonalidad, el color orquestal y suspensión armónica. El primer acorde de la ópera, llamado el «acorde de Tristán», se considera de gran importancia en el desarrollo de la armonía tonal tradicional.La ópera fue muy influyente entre los compositores clásicos occidentales y proporcionó inspiración a compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss, Karol Szymanowski, Alban Berg y Arnold Schoenberg. Muchos ven Tristán como el comienzo del fin de la armonía convencional y la tonalidad y consideran que establece la base para la dirección de la música clásica en el siglo XX.
Características de la audición: Reacción contra el estilo italiano. Uso de orquesta sinfónica completa.(importancia del viento), intervalo la fa ,melodía compleja (sentido argumentable). Melodía continua que está durante toda la obra. Preludio:función de presentar musicalmente a los personajes. Wagner lo llamaba dramas musicales y no consiente que lo llamen óperas,son obras de teatro cantadas.
-mitología, duración 4 horas 15´ (por lo que resulta difícil de escuchar), el texto es complejo lo escribe el mísmo, no hay repetición de frases,tiene que haber poco movimiento.
https://www.youtube.com/watch?v=J-qoaioG2UA
WAGNER: CABALGATA DE LAS WALKIRIAS
Con Richard Wagner(1813-1883) la ópera nacional germana alcanza su auténtico valor y consigue hacerse con la hegemonía europea hasta tal punto que los avances introducidos por él en la concepción del espectáculo dramático musical y en el manejo de los elementos revolucionarán el arte sonoro de una forma definitiva:el dodecafonismo verá en él su punto del arranque.
Wagner se vale de una lengua común,la alemana,en los libretos que él mismo escribía sobre temas de tradiciones multiseculares basados en la mitología y el folklore germanos y de un deliberado nacionalismo que como en el caso de Verdi le acarreará algún problema político. Todos estos factores le insertan por completo en el Romanticismo,si bien la formidable proyección de su personalidad impiden encasillarle en esquemas estéticos rígidos.
La Cabalgata de las valquirias es el término popular para referirse al comienzo del tercer acto de La valquiria, la segunda ópera de la tetralogía El anillo del nibelungo, compuesta por Richard Wagner.
https://www.youtube.com/watch?v=Qs2WbaFMDO4
Con Richard Wagner(1813-1883) la ópera nacional germana alcanza su auténtico valor y consigue hacerse con la hegemonía europea hasta tal punto que los avances introducidos por él en la concepción del espectáculo dramático musical y en el manejo de los elementos revolucionarán el arte sonoro de una forma definitiva:el dodecafonismo verá en él su punto del arranque.
Wagner se vale de una lengua común,la alemana,en los libretos que él mismo escribía sobre temas de tradiciones multiseculares basados en la mitología y el folklore germanos y de un deliberado nacionalismo que como en el caso de Verdi le acarreará algún problema político. Todos estos factores le insertan por completo en el Romanticismo,si bien la formidable proyección de su personalidad impiden encasillarle en esquemas estéticos rígidos.
La Cabalgata de las valquirias es el término popular para referirse al comienzo del tercer acto de La valquiria, la segunda ópera de la tetralogía El anillo del nibelungo, compuesta por Richard Wagner.
En el teatro de ópera, la Cabalgata, que dura ocho minutos, comienza en el preludio del acto, sumándose sucesivamente instrumentos al acompañamiento hasta que el telón se levanta y se ve el pico de una montaña donde se han reunido cuatro de las ocho valquirias hermanas de Brunilda para preparar el transporte de los héroes caídos al Valhalla. A medida que se unen las otras cuatro, la orquesta representa la melodía familiar, mientras que, sobre ella, las valquirias se saludan entre ellas y cantan su grito de guerra. Aparte de la canción de las Doncellas del Rin (Rhinemaidens) en El oro del Rin, es la única pieza de conjunto en las tres primeras óperas de Wagner del ciclo del Anillo. Fuera del teatro de ópera, es habitual escuchar únicamente la versión instrumental, que puede durar unos tres minutos.
Contexto histórico: (Las pequeñas formas.El lied)Lo curioso de esta faceta del romanticismo fue la continua invención de estas pequeñas formas o la renovación y reelaboración de las ya existentes.El instrumento preferido fue el piano con la consolidación de las nacionalidades la ópera cobra un valor político que en autores como Wagner,verdi y Mussorgsky tendrá verdadero carácter documental.https://www.youtube.com/watch?v=Qs2WbaFMDO4
VERDI: IL TROVATORE (escena del miserere)
El trovador (título original en italiano, Il trovatore) es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi yl ibreto en italiano de Salvatore Cammarano, basada en la obra de teatro El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez. Cammarano murió a mediados del año 1852 antes de terminar el libreto. Esto dio al compositor la oportunidad de proponer revisiones significativas, que bajo su dirección realizó el joven libretista Leone Emanuele Bardare, y se ven en gran medida en la ampliación del papel de Leonora. La ópera se representó por vez primera el 19 de enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma donde "comenzó la marcha victoriosa a través del mundo operístico".La trama -intricada y novelesca- se desarrolla entre Vizcaya y Aragón en el marco de la revuelta de Jaime de Urgel, a principios del siglo XV, contra Fernando de Antequera, a raíz del resultado del Compromiso de Caspe, al que se llegó después de la muerte sin hijos de Martín el Humano.
https://www.youtube.com/watch?v=dx_dCB0rcEM
El trovador (título original en italiano, Il trovatore) es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi yl ibreto en italiano de Salvatore Cammarano, basada en la obra de teatro El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez. Cammarano murió a mediados del año 1852 antes de terminar el libreto. Esto dio al compositor la oportunidad de proponer revisiones significativas, que bajo su dirección realizó el joven libretista Leone Emanuele Bardare, y se ven en gran medida en la ampliación del papel de Leonora. La ópera se representó por vez primera el 19 de enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma donde "comenzó la marcha victoriosa a través del mundo operístico".La trama -intricada y novelesca- se desarrolla entre Vizcaya y Aragón en el marco de la revuelta de Jaime de Urgel, a principios del siglo XV, contra Fernando de Antequera, a raíz del resultado del Compromiso de Caspe, al que se llegó después de la muerte sin hijos de Martín el Humano.
https://www.youtube.com/watch?v=dx_dCB0rcEM
VERDI: LA TRAVIATA (brindis)
La Traviata es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias (1852), aunque no directamente sino a través de una adaptación teatral. Originariamente lo titularon Violetta, por el personaje principal.
Biografía de Verdi:
https://www.youtube.com/watch?v=_npLCGxA_Mo
La Traviata es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias (1852), aunque no directamente sino a través de una adaptación teatral. Originariamente lo titularon Violetta, por el personaje principal.
Biografía de Verdi:
Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (Le Roncole, Busseto, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901) fue un compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX, el más notable e influyente compositor de ópera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico.
Verdi era un hombre de teatro nato y además,como hijo de aldeano,conocía perfectamente la musica popular de las diversiones provincianas,esto,unido a un talento singular y a una sinceridad expresiva poco común ,le proporcionó una comunicación especialmente estrecha con su público.
BELLINI: NORMA (aria "Casta diva")
Argumento de Norma y características:
"Casta Diva" es un aria de la ópera Norma de Vincenzo Bellini en la que su protagonista Norma dirige una plegaria a la Luna.
Argumento de Norma y características:
"Casta Diva" es un aria de la ópera Norma de Vincenzo Bellini en la que su protagonista Norma dirige una plegaria a la Luna.
El aria de la invocación a la Luna Casta Diva se sucede inmediatamente después de la entrada de la sacerdotisa druida Norma en el primer acto, cuando corta una rama de muérdago como ofrenda. Musicalmente se divide en dos partes: aria y cabaletta.Norma es una de las cumbres del bel canto romántico y uno de los papeles más difíciles de todo el repertorio lírico.
La ópera fue interpretada por las máximas sopranos de la historia como Giuditta Pasta otras pero fue Maria Callas quien le dio mayor trascendencia después de la Segunda Guerra Mundial.
Biografía:
Hijo del organista Rosario Bellini, recibió las primeras lecciones de música de su padre y de su abuelo, Vincenzo Tobia. Bellini fue un niño prodigio y cuenta la leyenda que a los dieciocho meses era capaz de cantar un aria de Valentino Fioravanti, que comenzó a estudiar teoría musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de tocarlo con soltura. Su primera composición data de cuando tenía seis años.
Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara, un famoso concierto para oboe y sinfónica, pero es laópera el género musical que le dio fama. Compuso para virtuosos del bel canto, expresión lírica que exige una gran precisión y agilidad vocal. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las partes cantadas y recitadas —arias y recitativos—, manteniendo la tensión dramática.
Su obra más difundida es Norma, en la que destaca la muy célebre aria Casta Diva, donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano dentro del repertorio.
Trató de introducirse en el ambiente operístico de Londres con escasa resonancia, pero se retiró a París. En Francia le sorprendió la muerte a los 34 años, tras una breve enfermedad.
https://www.youtube.com/watch?v=G_oufdMeK3w
ROSSINI: EL BARBERO DE SEVILLA
Contexto histórico:
-El público de ópera ,generalmente conservador,frena la evolución del género hacia formas renovadoras.La primera mitad del siglo XIX está dominada por la gran ópera de Meyerbeer y el bel canto virtuosista de Rossini.La tradición somfónica alemana concede a la orquesta un papel importante en la descripción de situaciones y en los acompañamientos ,que en la ópera italiana solían ser demasiado simples.A finales de siglo,influida por la novela naturalista ,la ópera se orienta hacia un estilo de realismo trágico:el verismo.
Biografía:
Gioachino Rossini o Gioacchino nació en Pésaro, Italia, el 29 de febrero de 1792 y falleció en París, Francia, el 13 de noviembre de 1868. Fue un compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas, particularmente por las cómicas. Su popularidad le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales.
Audición:
El barbero de Sevilla es una ópera bufa en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Cesare Sterbini. El estreno tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina, Roma. Fue una de las primeras óperas italianas que se representó en los Estados Unidos de América, estrenándose allí en el Park Theater de Nueva York el 29 de noviembre de 1825. El barbero de Rossini ha demostrado ser una de las grandes obras maestras de la comedia dentro de la música, y ha sido descrita como la ópera bufa de todas las óperas bufas. Incluso después de doscientos años, su popularidad en la escena de la ópera moderna atestigua su grandeza.
https://www.youtube.com/watch?v=cXkJ0eWeWBY
Contexto histórico:
-El público de ópera ,generalmente conservador,frena la evolución del género hacia formas renovadoras.La primera mitad del siglo XIX está dominada por la gran ópera de Meyerbeer y el bel canto virtuosista de Rossini.La tradición somfónica alemana concede a la orquesta un papel importante en la descripción de situaciones y en los acompañamientos ,que en la ópera italiana solían ser demasiado simples.A finales de siglo,influida por la novela naturalista ,la ópera se orienta hacia un estilo de realismo trágico:el verismo.
Biografía:
Gioachino Rossini o Gioacchino nació en Pésaro, Italia, el 29 de febrero de 1792 y falleció en París, Francia, el 13 de noviembre de 1868. Fue un compositor italiano, conocido especialmente por sus óperas, particularmente por las cómicas. Su popularidad le hizo asumir el "trono" de la ópera italiana en la estética del bel canto de principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los demás aspectos musicales.
Audición:
El barbero de Sevilla es una ópera bufa en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Cesare Sterbini. El estreno tuvo lugar el 20 de febrero de 1816, en el Teatro Argentina, Roma. Fue una de las primeras óperas italianas que se representó en los Estados Unidos de América, estrenándose allí en el Park Theater de Nueva York el 29 de noviembre de 1825. El barbero de Rossini ha demostrado ser una de las grandes obras maestras de la comedia dentro de la música, y ha sido descrita como la ópera bufa de todas las óperas bufas. Incluso después de doscientos años, su popularidad en la escena de la ópera moderna atestigua su grandeza.
https://www.youtube.com/watch?v=cXkJ0eWeWBY
BEETHOVEN: SONATA PARA PIANO Nº8 EN DO MENOR. Op.13 "Patética"
AUDICIÓN La Sonata n.º 8 en do menor, Op. 13 de Ludwig van Beethoven fue subtitulada "Pathétique" por el editor. Fue publicada en 1799, y escrita entre 1798 y 1799, cuando Beethoven tenía 27 años. Beethoven dedicó el trabajo a su amigo el Príncipe Karl von Lichnowsky.
La Sonata es fundamental en la producción pianística por sus valores de abstracción musical, así como por sus connotaciones filosóficas y las intuiciones de futuro de índole estructural (la estructura interna de la sonata es seguramente la más avanzada de las obras del primer período de Beethoven). Es considerada una de las obras cumbres de Beethoven, y una de las más interpretadas en público, tanto en vida del compositor como actualmente.
La sonata contiene tres movimientos:
La sonata contiene tres movimientos:
- Grave; allegro di molto e con brio.
- Adagio cantabile.
- Rondo: allegro.
ANÁLISIS DE LA AUDICIÓN.
El primer movimiento : comienza con el motivo de cuatro notas (ta-ta-ta-taa), uno de los más conocidos en la música clásica.
Tocado por todas las cuerdas y los clarinetes al unísono.
Está escrito en forma sonata, común en los primeros movimientos de las sinfonías del clasicismo.
Estaforma musical consiste en cuatro grandes partes: la exposición en la que aparecen las ideas principales agrupadas en primer y segundo temas, el desarrollo en que estas ideas son contrastadas y trabajadas con numerosos recursos, la reexposición en que vuelven a aparecer los temas de forma diferente para llegar a la coda que da fin al movimiento.
- toma después forma en las cuerdas, con imitaciones contrapuntísticas libres.
Estas imitaciones se alternan unas con otras con tal regularidad rítmica que aparecen como una melodía simple que discurre, que viene a ser el tema principal del movimiento. El motivo es tratado dramáticamente, con cambios súbitos de intensidad y arrebatadores crescendos.
Su contorno rítmico siempre está presente, por lo que algunos hablan de monotematismo (desarrollo de un solo tema) en este movimiento (y probablemente en toda la sinfonía).Después de una rápida modulación a la tonalidad relativa mayor, mi bemol mayor, aparece un nuevo tema, como una llamada, presentado por las trompas, una extensión melódica del primer tema.
BIOGRAFÍA:
La vida de Beethoven coincide de lleno con el periodo de las primeras revoluciones sociales y las garndes transformaciones del orden económico.
Nació en Bonn el 16 de noviembre de 1770 y murió en Viena, 26 de marzo de 1827. Fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior.
Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn yWolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.
Minuetto: El minueto o minué es una forma musical basada en las danzas cortesanas antiguas, las danzas que se bailaban en la corteEstá escrita normalmente en compases de tres tiempos, y su origen lo encontramos en Francia, en ciertas danzas rústicas y campesinas que fueron, más tarde, adoptadas por la corte y alcanzaron su esplendor en el siglo XVIII (fue la danza predilecta de Luis XIV hacia 1650, en pleno Barroco).
-El carácter rítmico del minué marca su talante de danza, las pautas rítmicas precisas de una forma musical pensada para ser bailada.
-El tempo suele ser Allegro que significa aprisa.
CONTEXTO HISTÓRICO.
-La Revolución francesa de 1789 significa la toma del poder político por parte de la burguesía .Los postulados liberales de los revolucionarios franceses encuentran eso en otras naciones cuyas clases burguesas pugnarán también por alcanzar el poder.
-La derrota de Napoleón y la reacción de la Santa alianza (liga de la oligarquía)retrasan y suavizan ese relevo de clases dominantes.
-En el aspecto cultural destaca el movimiento literario alemán precursor del Romanticismo.Una figura artística de talla universal es el aragonés Francisco de Goya,cuya fuerza expresiva rompe las normas anteriores de la pintura.
-Las nuevas orientaciones estéticas favorecen el desarollo del pianoforte,capaz de expresar intensidades graduales,desde la mayor suavidad al fortísimo violent,pudiendo obtener en él distintos planos sonoros simultáneamente.
-Beethoven es quien encarna el tránsito derl clasicismo al romanticismo.Rompe con el esquema cerrado de las formas musicales y con grandes libertades en su tratamiento,las hace aptas para la expresión romántica.
-La derrota de Napoleón y la reacción de la Santa alianza (liga de la oligarquía)retrasan y suavizan ese relevo de clases dominantes.
-En el aspecto cultural destaca el movimiento literario alemán precursor del Romanticismo.Una figura artística de talla universal es el aragonés Francisco de Goya,cuya fuerza expresiva rompe las normas anteriores de la pintura.
-Las nuevas orientaciones estéticas favorecen el desarollo del pianoforte,capaz de expresar intensidades graduales,desde la mayor suavidad al fortísimo violent,pudiendo obtener en él distintos planos sonoros simultáneamente.
-Beethoven es quien encarna el tránsito derl clasicismo al romanticismo.Rompe con el esquema cerrado de las formas musicales y con grandes libertades en su tratamiento,las hace aptas para la expresión romántica.
BOCCHERINI: FANDANGO (tercer movimiento,Grave assai,del quinteto con guitarra en re menor G448)
Características de la audición:
Fandango: El fandango es un aire popular bailable, ejecutado por una pareja, de movimiento vivo.
El compás: ternario, los versos octosílabos y el frecuente empleo de castañuelas marcan un estrecho parentesco con la jota. Dada la popularidad del fandango como danza de exhibición a finales del siglo XVIII y principios del XIX, no es de extrañar su presencia y arraigo en la tradición de Asturias, Castilla, Cataluña, Murcia, Valencia, País Vasco o Portugal. En su forma galante, el género llegó a tener cierta proyección en la tradición culta europea a través de la obra de Luigi Boccherini, el padre Antonio Soler y Domenico Scarlatti.
Características de la audición:
Fandango: El fandango es un aire popular bailable, ejecutado por una pareja, de movimiento vivo.
El compás: ternario, los versos octosílabos y el frecuente empleo de castañuelas marcan un estrecho parentesco con la jota. Dada la popularidad del fandango como danza de exhibición a finales del siglo XVIII y principios del XIX, no es de extrañar su presencia y arraigo en la tradición de Asturias, Castilla, Cataluña, Murcia, Valencia, País Vasco o Portugal. En su forma galante, el género llegó a tener cierta proyección en la tradición culta europea a través de la obra de Luigi Boccherini, el padre Antonio Soler y Domenico Scarlatti.
Biografía:
Luigi Rodolfo Boccherini (Lucca, 19 de febrero de 1743 – Madrid, 28 de mayo de 1805) fue un chelista y un compositor italiano, perteneciente al estilo galante y pionero del periodo clásico en la música.
Nació el 19 de febrero de 1743 en Lucca, en la Toscana, en el seno de una familia de artistas, donde encontró y pudo desarrollar su vocación. Su padre fue contrabajista y chelista, y su hermana bailarina de ballet. Su hermano Giovanni Gastone inicialmente participaba en el cuerpo de baile, pero más tarde en la poesía y la escritura al grado en que llegó a escribir libretos para Antonio Salieri y Joseph Haydn. Boccherini se interesó por el violonchelo desde temprana edad. Su padre le dio las primeras lecciones, ampliándolas con el sacerdote Domenico Vannucci. Progresó tanto que en las fiestas de Lucca de 1756 consta su participación como violonchelista contando con tan sólo 14 años de edad. Su contribución a la historia de la música es muy importante, ya que fue el mentor del quinteto de cuerdas, en su caso con doble violonchelo (se supone que él ejecutaba el primero de ellos, agregándose a la formación de cuarteto tradicional). Esta forma fue utilizada posterior y contemporáneamente por Mozart. El lenguaje de Boccherini se caracterizó por la refinada técnica de cuerdas, principalmente en el violonchelo, pidiendo posiciones extremas (muy agudas para el instrumento), armónicos y hasta golpes de caja, elementos que se reivindicaron posteriormente en el siglo XX, aunque en un contexto musical totalmente diferente. El manejo de la textura fue su gran aporte, mediante el contrapunto temático utilizado de una manera sublime.
Nació el 19 de febrero de 1743 en Lucca, en la Toscana, en el seno de una familia de artistas, donde encontró y pudo desarrollar su vocación. Su padre fue contrabajista y chelista, y su hermana bailarina de ballet. Su hermano Giovanni Gastone inicialmente participaba en el cuerpo de baile, pero más tarde en la poesía y la escritura al grado en que llegó a escribir libretos para Antonio Salieri y Joseph Haydn. Boccherini se interesó por el violonchelo desde temprana edad. Su padre le dio las primeras lecciones, ampliándolas con el sacerdote Domenico Vannucci. Progresó tanto que en las fiestas de Lucca de 1756 consta su participación como violonchelista contando con tan sólo 14 años de edad. Su contribución a la historia de la música es muy importante, ya que fue el mentor del quinteto de cuerdas, en su caso con doble violonchelo (se supone que él ejecutaba el primero de ellos, agregándose a la formación de cuarteto tradicional). Esta forma fue utilizada posterior y contemporáneamente por Mozart. El lenguaje de Boccherini se caracterizó por la refinada técnica de cuerdas, principalmente en el violonchelo, pidiendo posiciones extremas (muy agudas para el instrumento), armónicos y hasta golpes de caja, elementos que se reivindicaron posteriormente en el siglo XX, aunque en un contexto musical totalmente diferente. El manejo de la textura fue su gran aporte, mediante el contrapunto temático utilizado de una manera sublime.
GLUCK: ORFEO (Video)
El ballet de las furias.
Sugiere a la perfección el ritmo frenético al que se supone que están sometidas las furias,gracias a rápidas gamas de las cuerdas con llamadas de los trombones que hallan respuesta en los oboes.
Reforma de Gluck: Contexto histórico.
Gluck a pesar de la difusión y el desarrollo de la ópera cómica siguió apegado a la ópera seria,que volvió a florecer con él.Hasta la mitad de su vida compuso operas en el estilo tradicional y ceñido a los convencionalismos metastasianos.y también muchas otras de género cómico,pero hacia la década de los sesenta se planteó la necesidad de crear un espectáculo que,apoyado en un argumento de solidez dramática,estuviese dotado de una musica de calidad y simplificada de los excesivos adornos para lucimiento de los cantantes.Gluck buscaba la sencillez y el teatro fiel de los sentimientos ,destacando el recitativo con acompañamiento orquestal,todo ello presidido por un sentido de integridad y coherencia dramática preocupado de commover al auditorio.
La presentación en París de Ifigenia en Aulide y ,posteriormente,Orfeo,Alceste y Armida fue objeto de encontradas opiniones entre los partidarios de la renovacion y los adictos a la musica amable y superficial del genero cómico.Finalmente se impuso la reforma propuesta por Gluck.
https://www.youtube.com/watch?v=2AYkssEZ8r4
domingo, 27 de abril de 2014
HAYDN: CUARTETO EN SI BEMOL MAYOR "DE LA AURORA" op. 76/4 (1er movimiento)
Ritmo marcado,La melodía(elegante)y sencilla se repite con lo cual es fácil de memorizar.
Ritmo marcado,La melodía(elegante)y sencilla se repite con lo cual es fácil de memorizar.
armonía: época de la técnica armónica.
El violín (etimología: del italiano violino, diminutivo de viola o viella) es un instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas. Las cuerdas se afinan por intervalos de quintas:
- sol3
- re4
- la4
- mi5
-La música se hace más independiente de la música italiana.
Características sociales:
-En Alemania(J.Federico I).El peso de los burgueses en la música de cámara tira abajo gobiernos,monarquías,con ayuda del pueblo.
música muy ligada al estilo galante es decir a los nobles.
-difundir la música de Haydn.
Franz Joseph Haydn, conocido como Joseph Haydn (Rohrau, cerca de Viena,Austria, 31 de marzo de 1732 – Viena, 31 de mayo de 1809) fue un compositor austriaco. Es uno de los máximos representantes del periodo clasicista, además de ser conocido como el «padre de la sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.
MOZART: REQUIEM
La Misa de Réquiem en re menor, esta basada en los textos latinos para el Réquiem, es decir, el acto litúrgico católico celebrado tras el fallecimiento de una persona; se trata de la decimonovena y última misa escrita por Mozart. Mozart murió antes de terminarla, en 1791.
Características de la audición:
Música para coro y orquesta.
Es una misa para difuntos(funeral)
Mozart dejó esta obra sin terminar.
Música en Re menor.
Transmite una sensación de trusteza
La textura:La última obra de Wolfgang Amadeus Mozart, fue compuesto para orquesta sinfónica, coro y voces solistas (soprano, contralto, tenor y bajo).
Los instrumentos: para los que fue compuesto el Réquiem responden al esquema típico de una orquesta sinfónica de finales del siglo XVIII, pero algo más reducida. En la obra intervienen:
La Misa de Réquiem en re menor, esta basada en los textos latinos para el Réquiem, es decir, el acto litúrgico católico celebrado tras el fallecimiento de una persona; se trata de la decimonovena y última misa escrita por Mozart. Mozart murió antes de terminarla, en 1791.
Características de la audición:
Música para coro y orquesta.
Es una misa para difuntos(funeral)
Mozart dejó esta obra sin terminar.
Música en Re menor.
Transmite una sensación de trusteza
La textura:La última obra de Wolfgang Amadeus Mozart, fue compuesto para orquesta sinfónica, coro y voces solistas (soprano, contralto, tenor y bajo).
Los instrumentos: para los que fue compuesto el Réquiem responden al esquema típico de una orquesta sinfónica de finales del siglo XVIII, pero algo más reducida. En la obra intervienen:
- Violines primeros
- Violines segundos
- Violas
- Violoncellos
- Contrabajos
- Corno di bassetto
- Fagotes
- Trompetas
- Trombones
- Timbal
- Órgano
https://www.youtube.com/watch?v=sPlhKP0nZII
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